从快门、光圈、ISO三方面考虑。可以开闪光灯就开吧，要是不能开，就把光圈调最大，ISO调高，快门看着办了，舞台的人都在动，太慢快门可能会糊。
白平衡调在自动上，光圈适当搞大一点，譬如2.8或者4；快门值60分之1秒左右。
舞台摄影
舞台摄影的光线通常都采用舞台现场灯光，，不使用闪光灯拍摄，正式演出时也不允许使用闪光灯拍摄。舞台灯光对摄影来说的显著特点，一是演员受光与背景受光的差别极大；二是演员在舞台不同位置的受光也存在明显差异；三是常常使用有色灯光渲染舞台效果；四是具有多种光型，变化多端，如正面光、侧光、脚光、逆光、追光；五是灯光强度相对于室外自然光来说，要弱得多。
针对舞台灯光的这些特点，因而宜用ISO400以上的高感光度。这样不但能满足低光量抓拍动体的需要，而且有较大的曝光宽容度，也有助于纪录反差大的被摄对象对使用了彩色灯光的舞台演出，如果你拍摄彩色片，则要作好思想准备，你的照片将严重偏上灯光的颜色，舞台摄影的曝光是较讨厌的事，麻烦之一是曝光量会随着舞台灯光设计以及演员在舞台的方位而变化；麻烦之二是主体与背景光比极大，你不能简单地依赖测光表。如果你用自动曝光相机装上标准镜头拍摄，必然会产生主体人物曝光严重过度的效果，这是由于大面积亮度较低的背景愚弄了测光系统。因此，点测光对舞台摄影是唯一有效的测光方法，如果你的相机没有点测光功能，你也没有一只点测光表，那么，可以装上远摄镜头来代替点测光也是可行的。测光部位应以演员脸部为主。你不能测光一次便一劳永逸，要知道我们的视觉感受对演员在舞台位置变化而引起的亮度变化并不敏感。演员从舞台前区走到舞台后区，足以产生二、三档光圈的差别。勤测光是解决舞台摄影曝光的窍门之一。当你取得了演员脸部的测光值后，往往还要决定是否要作调整的问题，如果背景对你的拍摄无关紧要，则可按测光读数曝光；如果你希望背景也能有较好的表现，则应在测光读数的基础上增加曝光。要知道照片上的背景往往比现场看到的要暗得多。对没有测光条件的摄影者，可用1/60、F4试拍（ISO400）这时，包围曝光又是值得采用的。
二、 拍摄位置与镜头焦距舞台摄影的拍摄位置取决于拍摄的景别、表现意图和镜头焦距，常用的拍摄位置一是楼下一排正中偏左一点，便于拍摄演员进入舞台时的“亮相”动作的中近景；二是第五排左右靠走道边的位置，这个位置使拍摄者前后活动较方便；三是二楼第一排正中位置，便于拍摄大场面，防止前后演没重叠，有助于产生图案美的画面。不同剧种、不同剧目的演出对镜头焦距的要求也不尽相同，相对来说，中焦镜头对舞台摄影是用途最广的镜头，如果带上一只含有中焦的变焦镜头，如35―105mm或70―150，mm则用途更广泛，也更适合舞台摄影的需要。对于拍摄演员的中、近景，中焦镜头更是不可缺少。
% }0 ^8 o三、 了解剧情与选择如果你对要拍摄的剧目内容、表演情况一无所知，要拍出优秀的舞台剧照是困难的，这在很大程度上要取决于你的机遇了。提高舞台摄影成功率的一个窍门是在拍摄之前要熟悉情况、了解剧情，并看过一、二遍。这样对剧情的进展了解了，对演出的高潮或精彩的瞬间在何时出现知道了，相应的拍摄位置和合适的镜头焦距也确定了，曝光也被测定，那么，就能胸有成竹地进行拍摄，容易出理想的舞台剧照。
j对于要拍摄一组剧照来反映出戏时，还应研究剧情、选择好能体现主题思想和概括剧情的主要情节及激动人心的场面。就整组照片来说，还应有景别的变化，这在事先也应有一大体考虑，什么拍全景，什么拍中景，什么拍近景或特写应该心中有个谱。值得注意的是，剧照的大场面全景不宜多，否则必然会产生传神、传情不足之弊病。8 J5 h% D0 `: 如果没有机会在事先观看一二遍，这是舞台摄影常有的事，那么进入剧场后，仔细阅读一下剧情介绍的说明书、节目单也是十分有帮助的。你可以从中大致了解剧情、主题、主要演员及其担任的角色等，并大致考虑何时为演出的高潮，以便拍摄时早作准备。如果剧场内、外贴有该剧演出的剧照，仔细地欣赏、琢磨，也可以从中获得借鉴之处和提示。 四、 若干剧目的拍摄特点
各种剧目的舞台艺术，尽管有相通之处，但存在表演形式上的较大差异，因此，舞台摄影需要突出各自的特点。
1、 舞蹈的拍摄特点舞蹈是舞台摄影者偏爱的重点题材。以形体动作为表演手段的舞蹈是通过各种舞姿来表达和抒发人物感情的。舞蹈的种类很多，各具特色，拍摄无疑也会各有特点，例如拍摄芭蕾舞应注意表现脚尖舞姿，拍摄蒙古舞应注意表现抖肩动背；又如单人舞优美抒情、双人舞配合默契、集体舞富有韵律等等。但是，总体来说，常拍的舞蹈画面包括大幅度的跳跃、急速的旋转、抒展的舞姿、诗情画意的集体造型等
拍摄大幅度跳跃动作的关键是掌握好拍摄瞬间，使用低角度的仰拍有助于夸张跳跃的高度，注意在演员跃起后静止的瞬间抓拍，你即使用较慢的快门速度也能获得成功。拍摄群舞的跳跃时要特别注意拍摄角度，通常以正方向为宜，因为舞蹈的导演通常都是以正方向的视线来设计舞蹈队形的，正方向拍摄也就易使画面富有节奏与韵律。
拍摄急速旋转的快速动作要注意用好快门速度，常用1/60或1/125秒，有助于取得虚实结合的舞蹈影像，快门速度过慢会使演员的面目全非；快门速度过快又会使影像“凝固”而缺乏动感。你不要指望拍一张就成功，应多拍，以多取胜，因为“机遇”（瞬间的机遇）对拍好快速动体是一个实际而又重要的因素。
对优美抒情的、动作缓慢的舞姿，则应抓取其最动人的姿态和生动的表情。由于动作较慢，也就便于你抓取中、近景或特写画面。舞蹈演员以年青美貌居多，这对拍摄中、近景或特写是十分有利的条件。
对于集体舞，导演往往在开场与结尾设计了优美的造型，这是拍摄集体造型最好的时机，因而需要集中注意力，不要错过良机。双人舞或独舞在开场与结尾处理成一种剪影状态，这也是不应错过的拍摄良机。
戏曲的拍摄特点`
戏曲有多种不同的剧种，如京剧、昆剧、越剧、沪剧、川剧等等。传统戏曲的表演往往具有一定的程式化，老生、小生、花旦、丑角等等都有各自动作特点，连走路也有不同步法。戏曲的特点是以手、眼、身、法、步配合唱腔来表达角色的内心活动，因而在拍摄时值得注意这些细节的表现。戏曲演员的某些动作都与音乐的旋律相配合，因此，注意聆听锣鼓点的节奏，有助于掌握表演的规律和剧情的进展，便于抓取精彩的瞬间。戏曲演员在大段演唱时，往往在台上有反复的动作表演，这时对抓取富有表现的瞬间又有较多的机会。有些戏曲有不少跌打翻腾、斤头连串、刀枪飞舞的表演，对这些急速的动作，一要注意合适的快门速度，二要多拍，其原因与拍摄快速旋转的舞姿类同。传统戏曲还具有服饰讲究、别具一格的特点，化妆也以重彩浓抹为主，善恶脸谱化，这些都是值得得突出地予以表现的内容。现代戏曲的表演就没有传统戏那种程式化规定，拍摄特点有些类同于话剧话剧与歌剧 话剧以对话和动作为主要表演手段，表现题材绝大多数是现代的。话剧对布景、道具、灯光较讲究，因而应注意结合场景的表现，使布景、道具与主体人物相辅相成。现代话剧的服饰接近现实生活，化妆清淡而无脸谱化，演员的表情易从脸部表露，因而值得抓取一些富有表情的歌剧以唱为主，拍摄歌剧就应抓住“唱”来表现典型情节。此外，歌剧的舞台灯光强弱往往变化较大。且多彩色灯光，这就要求拍摄者注意及时调整曝光量，并留神有色灯光对拍摄彩色片的影响。
杂技的特点是高难度的技巧与优美姿势的结合，而且常常充满生活情趣。拍摄杂技应以拍出演员的功夫和优美的造型为主。杂技的演出高潮往往在节目的最后，因而在越是扣人心弦之际，越应集中注意力进行抓拍。拍摄杂技通常宜拍全景或中景，近景、特写一般不足以在画面上反映出杂技的“惊险”与“高难度”
曲艺是说唱艺术的总称，具有表演人数少、道具简单、随处可演的特点。如以说、学、逗、唱为本的相声以逗笑为其艺术特色，抓取演员在“学”、“逗”时令人捧腹的“洋相”往往能使画面给人以生动感。有些说唱还有必备之道具，这也是不应忽略的陪体，有助于说明该曲艺的特点。通常对拍摄曲艺照片以近景为宜，因而，中焦镜头对拍摄曲艺是十分有用的。曲艺演出往往在台上使用“麦克风”，因而要留神角度，不要使“麦克风”挡住演员的脸部。
把ISO调高
